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| Winter Morning (2013) Ernie Gehr |
La sección Views From The Avant-Garde de 2013, perteneciente
a la edición número 51 del New York Film Festival, ha demostrado ser una de las
citas más significativas del cine y el vídeo experimental actual. Aumentado
significativamente el número de trabajos seleccionados respecto a las ediciones
anteriores, el programa de este año se ha caracterizado por una visión
extremadamente heterogénea de cine y vídeo de creación realizado por artistas.
Películas experimentales realizadas en formatos fílmicos se han visto
acompañadas de trabajos documentales de cariz autobiográfico o etnográfico, así
como innumerables piezas facturadas en vídeo digital, inevitablemente
vinculadas a la tradición del video arte.
Cine lírico, visual music, found footage, ficción
amateur, videocreación de instalación, ensayo-fílmico, diario de viaje,
documental contemplativo y, en definitiva, el omnipresente término “documental
experimental”, han sido algunos de los conceptos que han definido el grueso de
las películas presentadas en esta sección paralela. El director artístico Mark
McElhatten ha elaborado, personalmente, un total de treinta-y-cuatro programas,
formados por ciento-diecisiete trabajos de artistas internacionales. Números que
sirven para confirmar la relevancia de uno de los encuentros más destacados de la escena del cine experimental
internacional, pero también para incidir tanto sobre lo inabarcable de la
muestra como la discutible inclusión de cierta tipología de trabajos.
Presenciar las sesiones acogidas por las salas
cinematográficas del prestigioso Lincoln Center han permitido observar la
vitalidad de una comunidad –la del cine experimental o de vanguardia
norteamericano– tan activa y clarividente como en las mejores décadas pasadas.
Decenas de cineastas consagrados de la experimentación fílmica se han acercado
a visionar y/o presentar sus últimas películas, demostrando un entusiasmo que impregna
las generaciones posteriores. Ken Jacobs, Ernie Gehr, Robert Beavers, Barry
Gerson, Saul Levine, Nathaniel Dorsky, Abigail Child y Barbara Hammer se han
dejado ver a lo largo de un fin de semana en el que también han acudido Scott
Stark, Robert Todd, Jennifer Reeves, Jim Jennings, Ute Aurand o Richard Tuohy;
realizadores cuyo recorrido artístico ya está más que consolidado.
Visionar diez programas en un solo fin de semana ha
resultado ser una labor excesiva; especialmente si tenemos en cuenta que la mayoría de
sesiones estaban formadas por decenas de piezas más o menos breves acumuladas
sin solución de continuidad, borrándose de la memoria a medida que iban
fagocitándose entre ellas. Es por esta razón que la crónica que sigue a
continuación es solo un análisis extremadamente parcial de lo que aconteció
durante esos dos días. Se ha evitado un descripción exhaustiva para tratar de
dilucidar lo más significativo; siempre desde un punto de vista inevitablemente
subjetivo, condicionado por apreciaciones personales.
Las cinco sesiones presenciadas cada día quedan encabezadas
por el título que las acompañó en el programa:
Sábado 5 de octubre
1º sesión: Voices Perish (Coloring The Darkening
Glow)
Strawberries in the Summertime (2013) de Jennifer
Reeves es la documentación veraniega del entorno cercano de la cineasta.
Planteado como un filme amateur cuyo protagonista principal es el hijo pequeño de
la autora, este trabajo filmado en 16mm bascula entre el diario autobiográfico
y el cine matérico. Las manchas parpadeantes de infinitud de colores provocados
con diversos tintes y químicos aplicados tras el revelado del celuloide,
construyen un cuadro de texturas expresionistas puntuadas por sonidos
descriptivos y melodías tatareadas de Fleet Foxes. LUNA (Snow) y LUNA (Heaven)
(2013) de Leslie Thornton son dos vídeos digitales, divididos verticalmente en
tres pantallas que, transformando el referente diegético del que se sirven –la
torre para saltos en paracaídas de Coney Island–, desvelan un cúmulo de
abstracciones calidoscópicas donde las gaviotas tienen un papel predominante.
Funcionan más como vídeos monocanales a exponer en loop en pantallas de
galerías o museos de arte contemporáneo, que como una proyección lineal en la
sala oscura.
Onomatopoeic Alphabet (2010) de Aura Satz es un cortometraje
que visualiza vibraciones sonoras de modo abstracto, partiendo de un
instrumento acústico llamado Chladni Plate, inventado por Ernst Chladni.
Durante siete minutos se suceden una serie de planos de partículas blancas
sobre fondo negro que recuerdan trabajos de Gary Hill, el matrimonio Vasulka o
el colectivo Semiconductor. Bedtime Story (1981) de Esther Shatavsky es una de
las películas añejas recuperadas para la ocasión; un filme de found footage preservado
por el Anthology Film Archives. Usando insistentemente el optical printer, Shatavsky
crea cuadro epiléptico que yuxtapone reiterativamente la imagen de una actriz
despertándose de la cama. Esta mínima acción se repite del derecho y del revés,
resolviéndose como un collage que despliega sus virtudes a medida que avanza su
trazo narrativo.
Weissfilm (1977) de Wilhelm y Birgit Hein es un
filme completamente abstracto cuyo desarrollo viene marcado por su componente
materialista. Se trata de un continuo devenir de fotogramas opacos,
transparentes o de tonalidades ocres, en los que parpadean manchas, polvo,
suciedad y empalmes hechos en celo. Incidir en el carácter físico y material
del celuloide durante su desplazamiento a través del mecanismo lumínico del
proyector es el motivo principal de este trabajo esencial –por lo minimalista
de su factura. “Splice 181 To Splice 243 Of Spicefilm. Homage To Birgit &
Wilhelm Hein’s Weissfilm (1977) (2013) de Florian Zeyfang es, como su título indica, un homenaje a la
pieza anterior. Congelando la secuencia de fotogramas indicados en el
enunciado, el realizador alemán Zeyfang realiza un minucioso estudio del
material original ensamblado por el matrimonio Hein. Las tonalidades de los
fotogramas y el rugoso sonido óptico son el centro de atención en esta suerte
de diaporama.
Creme 21 (2013) de Eve Heller es un viaje
retrofuturista hecho con imágenes recicladas. Fragmentos de materiales
documentales –películas educacionales de los años sesenta sobre la percepción del
tiempo– quedan remontados bajo decisiones arbitrarias que rompen la linealidad
de las explicaciones en voz en off, así como la relación causa-efecto del
metraje original. El desplazamiento de unos sonidos sintéticos hechos de
melodías ambientales y la continua ruptura de la edición original convierten
este (des)montaje en un ingenioso producto de desfamiliarización del contrato
audiovisual, practicado desde la perspectiva educativa de la percepción
sensitiva y la pedagogía del devenir temporal. Ten Notes On A Summer Day (2012)
de Mike Stoltz consta de un plano fijo de una chica que va emitiendo
guturalmente un continuo de sonidos breves pautados por notas instrumentales
similares, escuchadas previamente. A lo largo de cinco minutos la joven interpreta,
a su manera, esas frecuencias sonoras oídas pocos segundos antes, con la
intención de acercarse a su tono. Se trata de un juego acústico inaudito, solucionado en un solo plano: un screen test musical de graves y
agudos sincrónicos.
2º sesión: Being Here (Found In Silence, Heard
Within Sight)
Listening To The Space In My Room (2013) de Robert
Beavers es la minuciosa y sorprendente descripción de un interior –el espacio
privado del propio cineasta– marcado por los rasgos memorísticos que a él le
sugieren. Acercándose cinemáticamente a su habitáculo, Beavers filma detalles
de objetos desde encuadres imprevistos mediante desplazamientos laterales o
verticales de la cámara, que van creando una atmósfera enigmática puntuada por
la brillantez de luz exterior, la constante obstrucción del objetivo de la cámara
–como si parpadeara– y un registro sonoro sinfónico e hiperrealista. Lost And
Found (1984) de Jim Jennings es una pieza descubierta por el autor en 2013 que
documenta diferentes escenas de las calles de Nueva York mediante planos en
blanco y negro hermosamente compuestos. Es un filme silente que describe
mínimas acciones de personas en exteriores, desde una mirada que remite al reportaje
fotográfico callejero de los años cincuenta.
Susan + Lisbeth (2013) de Ute Aurand son dos
retratos independientes de dos artistas femeninas. La primera es la canadiense
Susan Turcot, que se dedica a hacer pequeñas esculturas, unas construcciones
arquitectónicas elaboradas manualmente con materiales reciclados. La segunda es
la artista suiza Lisbeth Burri que aquí aparece distendida en su jardín, a las
afueras de la ciudad de Zúrich. “to be here” (2013) de la misma realizadora es
una película más sólida que los dos esbozos anteriores. Filmada también en
16mm, el filme es un poema visual registrado en New England, Nueva York y el
sur de los Estados Unidos. Aprendiendo las enseñanzas de Robert Beavers, Aurand
filma lo cercano desde la extrañeza, como si descubriera detalles, pliegues,
texturas, colores y luminosidades por primera vez. “to be here” es una ensayo
virtuosamente filmado sobre el hecho de
pertenecer a un lugar.
3º sesión: Precarious Light In Calm Frequencies
Balga (2012) y Flow (2013) de Lichun Tseng son dos
filmaciones en 16mm, silentes, pacientes y contemplativas que invitan a dejarse
llevar por el flujo de sus movimientos, por la cadencia de sus ritmos.
Fotografiando trazos lumínicos sobre fondos oscuros –o al revés–, la cineasta
Tseng armoniza un espacio inusualmente bello, casi mágico, especialmente
destacable en los dieciséis minutos de Flow. Lost Our Lease (2013) de Jim
Jennings es la descripción de la gente de las calles de Nueva York desde una
posición inusual. La arquitectura y el mobiliario urbano juegan un papel
destacado al amagar o reflejar los desplazamientos de personas que habitan la
ciudad, como ciertos filmes de Andrew Noren construidos a base de sombras y luces exteriores. Cerrando el diafragma durante la captura de los planos es como Jennings
oscurece lo que observa a su alrededor, logrando revelar curiosidad y asombro
en aquello más banal y evidente de la metrópolis neoyorquina.
Falling Notes Unleaving (2013) de Saul Levine
documenta el entierro de un ser querido, la cineasta Anne Charlotte Robertson.
Lo hace desde la inestimable posición de un cineasta veterano cuya nerviosa
versión de la representación fílmica viene dada por la búsqueda de lo íntimo y
lo sensible, desde lo lírico. Existen pocos planos generales y estáticos que
permitan describir el escenario filmado, más bien nos hallamos ante una acumulación
de ráfagas fugaces y capturas breves casi imperceptibles, de impresiones
lumínicas condicionadas por la pérdida, la desaparición y la muerte. Threshold
(2013) de Robert Todd es otra película más a reverenciar del innumerable
listado de títulos que el autor ha realizado a lo largo de estos últimos años –sigan
su canal de Vimeo. Este realizador norteamericano autodefinido como cineasta
lírico y artista sonoro, construye un ambiente inquietante hecho de sonidos de
campo, grabaciones de la naturaleza y filmaciones en 16mm de detalles minúsculos
que registran, a lo largo de diecinueve minutos, la naturaleza invernal.
Exterior Extended (2013) de Siegfried A. Fruhauf es
un tour de force de nueve minutos en los que el realizador perfecciona el uso
de las superposiciones del optical printer, sobre celuloide de 35mm. A partir
de treinta-y-seis fotografías de una construcción en ruinas –tomadas en blanco
y negro, pero visualizadas tanto en positivo como en negativo– el artista
austriaco insiste en la percepción interna y externa del lugar, hasta alcanzar
una yuxtaposición frenética de marcos dentro de marcos. Texturas electrónicas marcan
el devenir progresivo de una pieza poderosa que, por su insistencia en la
profundidad, la cuadrícula y el punto de fuga parece una re-visitación del Serene
Velocity (1970) de Ernie Gehr, pero en versión apocalíptica.
4º sesión: Momentary Light And Seasonal Songs: The
Films Of Nathaniel Dorsky and Jerome Hiller
El cine de la devoción es un cine seductor pero
escurridizo: asombra durante su proyección, se desvanece al finalizarse. Los
tres filmes de Dorky y Hiller son películas silentes filmadas en 16mm que exploran
la consciencia perceptiva de la visión durante unos veinte minutos cada una.
Spring (2013) de Nathaniel Dorsky captura la iluminación exterior deteniéndose
en la naturaleza. Como diría Scott McDonald es un ejemplo de avant-gardens,
cercano tanto a la pintura y la poesía, como a la flora y la horticultura. Song
(2013) está filmada en San Francisco durante el invierno de 2012. Demuestra la
precisión compositiva de Dorsky durante la filmación, así como la sensibilidad
por el desarrollo temporal del encuadre. Sus filmes son el deseo constante por
observar el mundo circundante desde una consciencia plena de lo sentidos. Misplacement
(2013) de Jerome Hiller también atesora estas características, estableciendo un
ritual fílmico que invita a contemplar sin prejuicios, a observar sin el uso
restrictivo del lenguaje, ni de lo que se da por sabido.
5º
sesión: Lullabies And Alarms
Platonic
(2013) de Dani Leventhal es un vídeo digital extremadamente anguloso, hecho de
planos incoherentes, difíciles de hilvanar bajo alguna estructura narrativa –ni
siquiera formalista. Es un trabajo casi erróneo, mal hecho, incongruente. Es un
estudio sobre las confusiones y los desvíos “entre las apariencias y la
realidad, ver y entender, el deseo y su objeto”. Incomoda y desconcierta. Vis à
vis (2013) de Abigail Child es otro montaje más de una autora empeñada en reivindicar
el feminismo desde el found footage. El único añadido que lo diferencia de sus
trabajos anteriores es un montaje musical atractivo, hecho con decenas de
fragmentos pertenecientes a temas de la cultura popular actual –un remontaje
sin licencia de uso que remite a los Plunderphonics de John Oswald.
El
Adios Largos (2013) (sic) de Andrew Lampert es un filme de apropiación, una
nueva versión coloreada de los primeros minutos de un largometraje de Robert
Altman –The Long Goodbye (1973). El nuevo filme es el resultado de la
aplicación de una nueva técnica cromática practicada mediante un proceso
analógico, realizado con la copiadora óptica. La gracia de esta cita
post-moderna reside en el desvío entre lo estático de las máscaras de colores
homogéneos y el desplazamiento de figuras en movimiento. Rode Molen (2013) de
Esther Urlus también incide sobre el valor cromático de la imagen fílmica. Un
amalgama progresivo de molinos de viento holandeses se dan cita en un filme de
colores atrayentes que se sitúan entre lo cándido, lo naïf y lo pirotécnico. Seoul
Electric (2012) de Richard Tuohy se sirve de las luces de neón de la ciudad
coreana para contrastar, simultáneamente, zonas en blanco y negro con zonas en
color. Es un experimento sobre posibilidades estéticas secretas, sobre la magia
del celuloide.
Domingo
6 de octubre
1º
sesión: Talena Sanders
Liahona
(2013) de Talena Sanders es un documental ensayístico y autobiográfico que
reflexiona sobre la comunidad mormona del estado de Utah. A medio camino del
análisis ortodoxo y del diario personal, Talena Sanders narra su experiencia en
el seno de una familia mormona, mientras investiga las contradicciones del
comportamiento de sus individuos en la sociedad actual. Sin enjuiciar sus
normas, ni ofrecer una postura tendenciosa, la joven realizadora crea un
largometraje en 16mm que, a pesar de unas filmaciones poco destacables,
consigue mantener el hilo gracias a un apartado sonoro confesional apoyado por unos
textos explicativos, del todo concluyentes.
2º
sesión: (A Noisy Disance Of None Will Be Returned If, And Only If; The Ghost Is
Captured)
Inmortal,
Suspended (2013) de Deborah Stratman intenta evocar la idea de la suspensión
con una serie de panorámicas grabadas en un interior. O al menos eso es lo que
se explica en su misma página web, porque en realidad el concepto previo dista
sobremanera de lo que sugiere este video de resultado impreciso. Every Filter
In Final Cut Pro (2013) de Lisa McCarty es, como su título indica, la
presentación de cada uno de los filtros que transforman digitalmente la imagen
por parte del conocido programa de ordenador. Tomar como motivo unas palabras escritas
sobre fondo negro no parece ser el mejor elemento para concretar este vídeo
poco más que anecdótico. Sound Seam (2010) de Aura Satz es una pieza
ensayística que toma como punto de partida una tecnología obsoleta para registrar
sonidos: el cilindro de fonógrafo, hecho de cera. Fotografías microscópicas y
voces del pasado se dan la mano en una pieza inquietante que invoca la memoria y
el olvido.
Binocular;
Zebra 2 (2013) de Leslie Thornton es otro clip de la artista sobre la representación
calidoscópica. El registro de los ligeros movimientos de la
cabeza de una cebra y la traducción alucinógena de la misma, mediante decenas
de simetrías diagonales, forman una pieza que podría formar parte del
muestrario de aparatos desplegados en Film Before Film (1986) de Werner Nekes. Movements
In Squares (2013) de Jean-Paul Kelly es un producto irregular e inocuo. Es un
vídeo dividido en dos pantallas: en la de la derecha se muestran interiores de
casas abandonadas en el estado de Florida, en la de la izquierda se presentan
fragmentos de pinturas op-art de la artista Brigitte Riley. La voz en off
explicativa de un documental perteneciente a la artista plástica inglesa pretende
conjugar los dos elementos visuales para reflexionar sobre la representación,
una tarea prácticamente imposible bajo esas premisas. Lo cierto es que los tres
vídeos que se proyectaron de Jean-Paul Kelly ayudaron a conformar lo que sin
duda fue la sesión más controvertida del fin de semana.
3º
sesión: Robert Nelson
Suite
California Stops & Passes Part 1: Tijuana To Hollywood Via Death Valley
(1976) y Suite California Stops & Passes Part 2: San Francisco To The
Sierra Nevadas & Back Again (1978) del Robert Nelson son dos películas de
cerca de cuarenta-y-cinco minutos cada una, que forman un atractivo díptico
sobre la concepción cinematográfica de su director. Considerado uno de los
representantes cómicos de la vanguardia norteamericana, el recientemente
fallecido Robert Nelson realiza un ecléctico diario fílmico donde caben
interpretaciones de actores, comentarios en primera persona, filmaciones de
eventos familiares, reuniones amistosas y trayectos por los sobrecogedores
paisajes del este de Estados Unidos. Todo ello queda hilvanado como un diario
personal, como un making of del propio dispositivo fílmico que remite tanto a
los sistemas de producción de las fábrica de sueños como a los más humildes del
cine de vanguardia.
4º
sesión: Ernie Gehr Living Next Door To Magic
Photographic
Phantoms (2013) son veintiséis minutos de fotografías antiguas tratadas
digitalmente bajo efectos estroboscópicos. Es un vídeo excesivo que parece
imitar la Nervous Magic Lantern de Ken Jecobs, sin lograr una mínima parte de
su efecto. Winter Morning (2013) es sin duda el mejor trabajo de los cinco que
se presentaron en esta sesión. A lo largo de dieciocho minutos Gehr documenta
las calles de su barrio tras una gran nevada. Park Slope (Brooklyn) ofrece una serie
de estampas emblemáticas del poder de la naturaleza sobre sus calles, que Gehr
decide multiplicar mediante superposiciones de imágenes en color, tanto en
positivo como en negativo. El sonido de los vecinos quitando la nieve, tratando
de volver a la normalidad, aporta un componente documental que hacia el final
roza lo humorístico desde lo metalinguístico. The Quiet Car (2013) y
Auto-Collider XVIII (2013) investigan las posibilidades del dinamismo de la
imagen a partir de la división de la pantalla: dos espacios horizontalmente
simétricos en la primera, cuatro cuadros prácticamente regulares en la segunda.
El registro desde la ventana de un tren o las capturas de la circulación de automóviles
por las calles de la ciudad son el objeto de estudio de dos trabajos de
post-producción excesivamente largos, escasamente concretos. Brooklyn Series
(2013) sí que consigue ser consecuentemente precisa al combinar sincrónicamente
el sonido ambiente de una ciudad con una imagen completamente abstracta de la
misma. Decenas de líneas finas dispuestas horizontalmente crean un contenido
visual dinámico, que recuerda una de las últimas series pictóricas del artista
visual Gerard Richter.
5º
sesión: Scott Stark. The Realist
Etienne’s
Hand (2011) de Richard Touhy es una de las piezas más precisas contempladas en
esta edición. Unos pocos segundos de un plano detalle de una mano –girándose y
abriéndose–, es la materia que el australiano utiliza para crear una sinfonía
minimalista que celebra el uso de la repetición y sus múltiples variedades. Una
secuencia de notas de una arpa van sonando milimétricamente mientras la mano de
Etienne enseña su palma, como si descubriera un poder mágico, invisible e
indescriptible.
The Realist (2013) de Scott Stark es una de las películas decisivas
de esta edición. Utilizando dos cámaras fotográficas digitales, dispuestas
dentro de un artilugio de madera expresamente construido por el realizador, se
propone un profundo viaje metafórico por las contradicciones de la sociedad
actual. El filme es un melodrama sin palabras, con una banda sonora
vanguardista del compositor Daniel Goode. Captura los aparadores de centros
comerciales, sus productos, sus ropas y sus maniquíes. Alcanzando ritmos
parpadeantes que simulan una tridimensionalidad epiléptica, la pieza invita a
reflexionar sobre la seducción mercantilista y las dudosas promesas de sus
productos comerciales. Es una película de cuarenta minutos que examina la
relación del individuo contemporáneo con sus necesidades, deseos e identidades
desde un perspectiva crítica con el sistema capitalista. El mejor trabajo
posible para cerrar una edición marcada tanto por las búsquedas estéticas desde
todas las tecnologías audiovisuales hoy en día al alcance, como por la necesidad de hallar
un espíritu crítico acorde con la situación actual.
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| Balga (2012) Lichun Tseng |
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| Onomatopoeic Alphabet (2010) Aura Satz |
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| Susan + Lisbeth (2013) Ute Aurand |
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| Platonic (2013) Dani Leventhal |
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| Listening To The Space In My Room (2013) Robert Beavers |
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| Rode Molen (2013) Esther Urlus |
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| Brooklyn Series (2013) Ernie Gehr |
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| Liahona (2013) Talena Sanders |
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