Empieza VENUSPLUTON!COM

Pasen y vean -y lean y comenten y graben y canten y bailen, etc.-:
VENUSPLUTON!COM


“venuspluton!com nace con la intención de ejercer como un nuevo y discreto intermediario, como un gran proyector de gente que cree en la música y que confía en la verdad, en la belleza o, como mínimo, en la bondad de sus imágenes.”
Marc Prades en ¿Post-videoclip?

José Julián Bakedano

La Revista de análisis fílmico PAUSA acaba de publicar su décima edición. La figura del cineasta vasco José Julián Bakedano es el objeto de estudio de un número que contiene reseñas sobre sus películas, así como una entrevista al propio director, representante de un cine experimental lírico y abstracto hecho a mano, y una sèrie de documentales artísticos inusuales.



"BOST" de José Julián Bakedano
El visionado de "Bost" ofrece un cúmulo de incógnitas. Todas ellas remiten a las decisiones tomadas por el cineasta José Julián Bakedano y J. E. Urrutia durante la realización de la pieza. Unas decisiones que más bien se decantan hacia la improvisación y el azar; por el uso de productos químicos susceptibles de alterar la superficie de la emulsión cinematográfica. Los títulos de crédito iniciales de Bost (filmados en soporte en blanco y negro, con película negativa de 16mm) muestran tres modos diferentes de plantear la escritura de tipografías y anunciar la pieza. Tras este breve preámbulo de naturaleza fotográfica empieza un vendaval imparable de texturas abstractas en perpetuo movimiento, un torrente continuo de imágenes organicistas, una cascada incesante de manchas expresionistas, extendidas hasta los 9 minutos. Procesos químicos arbitrarios y rascaduras deliberadas hechas directamente sobre el celuloide provocan la consecución de un filme hecho a mano que se presenta como una película plástica de naturaleza organicista. Porque la observación de esas imágenes fugaces e intangibles provoca -por parte del espectador- la búsqueda inmediata de referentes figurativos, principalmente elementos regidos por equilibrios compositivos, simetrías y formas identificables. Raíces rojizas, ramas verdosas y pétalos amarillentos pueden venir en mente. Pero cuesta adentrarse sin prejuicios, porque la dudosa selección musical impide la fluidez de los pensamientos. Y aquí empiezan las preguntas: ¿Por qué añadir música sin sentido a un filme de Música Visual? ¿Por qué incluir el tema "Sanctuary" de John McLaughlin y la Mahavishnu Orchestra como banda sonora? ¿Por qué la música, en realidad, no parece pertenecer a los desarrollos jazzísticos, específicamente instrumentales de la banda de principios de los setenta? Incógnitas que incomodan pero que no perjudican el valor experimental de un título cercano, por momentos, a las inquietudes del cine sin cámara de Len Lye, Stan Brakhage o Norman McLaren.

Joost Rekveld

LIGHT MATTERS









Imágenes de las películas: #11, Marey <-> Moiré (35mm scope, 21 min, 1999); #5 (3x 16mm expanded film, silent, 6 min, 1994) y #3 (16mm silent, 4 min, 1994)

RETRATOS

AMALGAMA - GALERIA ATELIER - LOOP 2009
Viernes 22 de mayo 21h
68 minutos

-Croatan. Ramon Mas de Jordi Sanglas, Marc Balfagón y Jordi Castells (2007),10’
-Cinco Películas Breves de Víctor Iriarte (2007), 9’
-Impregnaciones de la señorita nieve y guitarra, de Chus Domínguez y Mónica Valenciano (2008), 15’
-Moza de ánimas, de Oriol Sánchez (2009), 15’
-Castillo, de Jorge Tur Moltó (2008), 21’


El programa Retratos acoge cinco piezas recientes creadas por realizadores nacionales heterodoxos. Todas estructuran la descripción y el análisis de la figura humana desde puntos de vista dispares, a menudo discordantes. Los diferentes modos de registrar los personajes representados y la manera de editar el material varían según las concepciones de cada autor. La entrevista a Ramon Mas testimonia cómo se puede llegar a tergiversar la verosimilitud de las declaraciones mediante explicaciones hilarantes de voces en off y acumulaciones de material de archivo de found footage de lo más esperpéntico, editado por el equipo Croatan. Los rostros contemplativos de Cinco películas breves, filmados a menor velocidad de lo habitual por Víctor Iriarte; la documentación introspectiva de un personaje incómodo como el de Impregnaciones de la señorita nieve y guitarra -realizada por Chus Domínguez- y la acción intrigante de Moza de ánimas, repetidamente alterada formalmente (en lo visual y lo sonoro) por parte de Oriol Sánchez, forman el grueso de una sesión que finaliza con el último documental de Jorge Tur. La preparación y la puesta en escena de un hipotético programa radiofónico en un psiquiátrico presentado por Castillo, invita a reflexionar sobre la capacidad del medio audiovisual por retratar a las personas y por las cuestiones morales que se esconden detrás de cada planteamiento.

COLLAGE

AMALGAMA - GALERIA ATELIER - LOOP 2009
Jueves 21 de mayo 21:30h
63 minutos

-Cejas que suben, de Emiliano Cano (2001), 1’
-Autorres, de Maya Watanabe (2005), 2’
-Leviathan, de Laboratorium (2007), 2’
-Nueve segundos de negro, de Alex Reynolds (2009), 2’
-22arroba, de Maxi Viale (2008), 5’
-Croatan. Las Dolores, de Jordi Sanglas, Marc Balfagón y Jordi Castells (2007),10’
-Miralls de Gerard Gil (2006), 21’
-Película Sudorosa, de David Domingo (2009), 20’


El programa Collage muestra un conjunto de piezas realizadas en cine y vídeo que privilegian el uso del material encontrado o del found footage, sin dejar de lado investigaciones matéricas y experimentos formales, que investigan las capacidades del montaje. Con Cejas que suben -la apropiación de un fragmento fílmico protagonizado por la actriz Winona Ryder (conocida por su cleptomanía)- se da el toque de salida a una sesión que reflexiona sobre el robo, la copia y los derechos de autor. La descontextualización de los elementos seleccionados, remontados con fines propios, da lugar a unas creaciones que elaboran la práctica del desmontaje. Home movies, películas de terror de serie B y archivo documental recóndito son algunas de las fuentes a las que acuden unos realizadores que procuran crear nuevas vinculaciones narrativas mediante escenas divergentes, o nuevas articulaciones estéticas con secuencias ajenas y filmaciones propias. El collage sonoro reinterpretado de Autorres da paso a la pieza colectiva de animación figurativa titulada Leviathan. Nueve segundos de negro y 22arroba utilizan material propio para trazar dos montajes de apariencia tenebrosa, situados entre la pesadilla nocturna y la abstracción matérica. La heterodoxa entrevista a una de las componentes del grupo musical Las Dolores por parte del equipo Croatan, las insospechadas relaciones de causa-efecto reflejadas por el montaje de Gerad Gil en Miralls y las minuciosas filmaciones de David Domingo en Película Sudorosa, su nuevo experimento de efectos especiales fascinantes en formato super 8, cierran una sesión ecléctica que permite confrontar diferentes modos de encarar una técnica, la del collage que el medio cinematográfico ha arrebatado al arte pictórico.

En las imágenes: "Cejas que suben" de Emiliano Cano, "Leviathan" de Laboratorium, "Croatan. Las Dolores" de Jordi Sanglas, Marc Balfagón y Jordi Castells, "Miralls" de Gerard Gil y "Película Sudorosa" de David Domingo.

Isabell Heimerdinger

Michael Snow - 05.05.09 > 13.06.09

La galeria àngels barcelona presenta hasta el 13 de junio tres piezas del cineasta canadiense Michel Snow. El máximo referente del cine estructural y uno de los artistas multidisciplinares más emblemáticos del arte contemporáneo (su obra abarca la fotografía, la pintura, la música, el cine y el vídeo; a menudo desde un punto de vista conceptual) exhibe tres obras en formato videográfico. "The Corner of Braque and Picasso Streets" se engloba dentro de la noción de videoinstalación. Encuadrando con la cámara la confluencia de las dos calles del exterior de la galería, Snow documenta ininterrumpidamente el flujo incesante de personas y automóviles, proyectando el resultado sobre una estructura volumétrica de cubos blancos. La imagen resultante queda desfragmentada a modo de cubismo analítico. La descomposición de la imagen y el modo de presentarla le permite reflexionar sobre nociones de site specific, time specific, screen art y videovigilancia. "Condensation- A Cove Story" utiliza el recurso tecnológico del time lapse para representar un paisaje que fluctúa entre el estaticismo del marco y el dinamismo de los cambios metereológicos. Las transformaciones lumínicas sucedidas en las montañas y la costa de un paisaje idílico canadiense quedan acelerados y comprimidos junto al oleaje del mar. El dispositivo captura el devenir del tiempo, expandiendo y extendiendo su huella. "See You Later / Au revoir" continúa el estudio de las capacidades perceptivas de la cámara para trazar una pieza que admite consideraciones sobre la capacidad de interpretación.

La exposición se complementa con una serie de proyecciones que muestran algunos de los trabajos más representativos de Michael Snow y algunas de sus creaciones recientes. El ciclo de proyecciones incluye películas clásicas del cine experimental como Wavelenght (1967), y piezas más recientes como Reverberlin (2007) o Triage (2005).



(En las imágenes "The Corner of Braque and Picasso Streets" y "Condensation- A Cove Story")

IMÁGENES DE ESPECTROS

VISUAL 09 - MÁRGENES - AMALGAMA
Festival Audiovisual de Majadahonda. 23/29 de mayo.


Martes 26 de mayo. 20h.
Biblioteca de la Universidad Madrid.

-Eumig 80/60, Isaac Gimeno (2005), super 8 + dv, 4'
-Fascinación, Javier Otaduy (1999-2009), super 8 + dv, 3'
-ABC pornographique, Sonia Armengol Teixidó (2007), super 8 + dv, 2’
-La materia, Ramón Ayala (2008), dv, 1'
-La mort de Marat, Ramón Ayala (2008), super 8 + dv, 3'
-Propiedad particular, David d'Ors (2006), dv, 5'
-Cinco películas breves, Víctor Iriarte (2007), 16mm + dv, 9’
-Tabla aérobica nº4, Gonzalo de Pedro (2007), super8 + dv, 8'
-El chaleco salvavidas está debajo de su asiento, Daniel Cuberta (2008), dv, 10’
-The end, Fernando Franco (2008), dv, 6'
-No es la imagen, es el objeto, Andrés Duque (2008), dv, 10'
-A spanish delight, Eugeni Bonet (2007), super 8 + dv, 5'
-Moza de ánimas, Oriol Sánchez (2009), dv, 15'

Más información: AMALGAMA
Cartel realizado por Gloria Vilches

Tesoros preservados. Treasures IV: American Avant-Garde Film, 1947-1986

Publicado en BLOGS&DOCS


Con la cuarta publicación en DVD de la serie Treasures From American Film Archives, la National Film Preservation Foundation (NFPF) prosigue su imprescindible tarea de recuperar una parte esencial de la historia del cine norteamericano. La compilación Treasures III: Social Issues in American Film deja paso a un volumen titulado Treasures IV: American Avant-Garde Film, 1947-1986, que evidencia la excepcional calidad del legado vanguardista estadounidense de la segunda mitad del siglo XX. Con el conjunto de películas presentadas se recupera un cine experimental, excepcional, realizado como expresión personal. Artistas y cineastas practican un cine inquieto de naturaleza singular, realizado al margen de las productoras. Rechazando los mecanismos de la industria cinematográfica buscan cobijo en el sistema de cooperativas. Las dificultades económicas de estos organismos perjudican la conservación de las copias. Resulta pues necesario preservarlo, para conservar y difundir el valor que atesoran.

Los 26 títulos recogidos ejemplifican películas de algunos de los cineastas más destacados del cine experimental de Estados Unidos. Stan Brakhage, Jonas Mekas y Andy Warhol son los nombres propios más representativos de una selección que incluye alguna que otra sorpresa agradable, como son las aportaciones de Jane Conger Belson Shimane, Robert Nelson y William T. Willey. Esta lujosa edición viene acompañada por un libro de 72 páginas que disecciona la procedencia de cada uno de los títulos, así como el proceso de restauración llevado a cabo. El resultado son cinco horas de visionado repartidos en dos discos, a los que se ha añadido nuevas composiciones musicales del saxofonista neoyorquino John Zorn. Las películas seleccionadas pertenecen a la los archivos fílmicos del Anthology Film Archives, el MoMA, la Academy of Motion Picture Arts and Sciences, la New York Public Library y el Pacific Film Archive. En su mayoría son filmes realizados con equipos de 16mm y 8mm que transitan entre la animación abstracta, el cine lírico, el cine de found footage, el cine estructural, el documental heterodoxo y la ficción inusual.

El primer programa empieza con la figura de Harry Smith. Su "Film No. 3: Interwoven" (1947-49) es un hermoso ejemplo de Visual Music resuelto como una animación abstracta de geometrías cromáticas, incesantemente dinámicas. La música jazz de Dizzy Gilespie las acompaña festivamente. El collage parpadeante de Robert Breer en "Eyewash" (1959) es otro ejemplo de animación experimental. Sus dibujos y recortes, sucedidos como parpadeos perpetuos en fotogramas individuales, contrastan con el anacronismo de las figuras recortadas de Lawrence Jordan. En "Hamfat Asar" (1965) los movimientos interrumpidos de ilustraciones añejas describen una narración surrealista de movilidad limitada. Todo lo contrario que los asombrosos juegos ópticos de Pat O'Neill en "7362" (1967). El especialista en efectos especiales dibuja formas simétricas de colores saturados con el optical print, componiendo ágiles cuadros abstractos de impresiones estroboscópicas y oscilaciones metronómicas.

El carácter lírico y poético de registros documentales viene representado por un conjunto de películas que, por su textura fotográfica en formatos sub-estándard, se acerca al encanto de las home movies y a la frescura del cine amateur. "Go! Go! Go!" (1962-64) es una de las piezas más fascinantes del cofre. En la película de Marie Menken, la factura artística de las imágenes queda elevada a un nivel superior por la vivacidad de sus colores y su valor documental. Es un reportaje de calle por Nueva York, intuitivamente perspicaz. La práctica del frame a frame y el time-lapse como inscripción personal del espacio pro-fílmico también se manifiesta en los apuntes ininterrumpidos de Jonas Mekas en "Notes on the Circus" (1966) –fragmento perteneciente a "Walden. Diaries Notes and Sketches" (1969)-. "Bridges-Go-Round" (1958) de Shirley Clarke documenta los puentes de la ciudad de NYC interviniendo sobre la realidad. Zooms y filtros de colores distorsionan las dimensiones, desestabilizando los elementos representados. "The Riddle of Lumen" (1972) de Stan Brakhage y "Note to Pati" (1969) de Saul Levine filman el entorno más cercano para elogiar el espacio doméstico, solemnizar la luz y alabar las cualidades plásticas del celuloide.


Uno de los hallazgos de la recopilación es la presencia de "Aleph" (1956-66), la única pieza filmográfica del artista plástico Wallace Berman. Su película es un collage insólito hecho de inscripciones gráficas, fragmentadas, convenientemente tintadas. Se sitúa, por derecho propio, en un lugar privilegiado dentro de la técnica del found footage, del que Joseph Cornell es su principal precursor. Su "By Night with Torch and Spear" (1940s) es un desmontaje de capturas cinematográficas de fluctuaciones enigmáticamente discontinuas. "Peyote Queen" (1965) de Storm De Hirsch y "Chumlum" (1964) de Ron Rice manifiestan la vigencia psicodélica de la época con un entusiasmo alucinógeno por los efectos lumínicos, las dobles exposiciones y las soluciones caleidoscópicas. Son visiones de apariciones fantasmales, formalmente impecables, situadas al lado opuesto de la comicidad irreverente de Jack Smith y Ken Jacobs en "Little Stabs at Happiness" (1959-63). Título eminentemente cercano al divertimento absurdo e intransigente de George Kuchar, en ese cásting, hilarante pero también insufrible, titulado "I, An Actress" (1977).

El carácter exhibicionista de tendencias homosexuales del cine underground queda perfectamente demostrado en "Mario Banana (No. 1)" (1964) de Andy Warhol. Pieza que conecta serenamente con la estética del delirio de Jack Smith y la ficción amanerada de los hermanos Kuchar. Pero lo hace desde un presupuesto autolimitado (un único encuadre, una sola bobina) que le acerca al cine estructural. Éste viene representado por la incineración de fotografías y el recitado de textos descriptivos, sucedidos como ejercicio memorístico, en "(nostalgia)" (1971) de Hollis Frampton, y por el filme de Larry Gottheim. Su "Fog Line" (1970) es una de las piezas más destacables del cofre, en tanto que recupera un cine verdaderamente invisible –su nombre no acostumbra a aparecer en los programas de cine de centros artísticos ni el de las filmotecas-. Los cambios meteorológicos del paisaje filmado y la presencia humana, inevitablemente capturada por el aparato tecnológico, testimonian la variabilidad del entorno y la consecuente alteración del plano. Sin duda el carácter contemplativo de los lagos y los cielos de James Benning parten de aquí. "Necrology" (1969-70) de Standish Lawder mantiene puntos de confluencia con las autolimitaciones del cine estructural. Aún así, el continuo devenir de personas elevándose místicamente hacia el más allá, contiene unos créditos finales que, voluntariamente, rompen la trascendencia inicial para alcanzar, sutilmente, la ocurrencia.

Entre todas estas muestras de cine lírico, poético, underground, amateur, estructural, de animación abstracta y de apropiación resulta sorprendente, y gratificante, hallar dos títulos como "The End" (1953) de Christopher Maclaine y "Fake Fruit Factory" (1986) de Chick Strand. "The End" es una visión apocalíptica que anuncia el final de la civilización durante la Guerra Fría. Seis personajes diferentes protagonizan el último día de sus vidas en una película de ficción, realizada durante la proliferación de alarmas gubernamentales ante la amenaza de una guerra nuclear. "Fake Fruit Factory" elabora un ensayo cautivante que denuncia las condiciones opresivas de unas trabajadores mejicanas, encargadas de realizar frutas decorativas, mediante escayola y pintura. La insistencia en las planos de detalle permite una inmersión en la sumisión que, delicadamente se inscribe en el documental etnográfico. Dos películas cuyo componente crítico queda magníficamente equilibrado con la búsqueda estética. Ideología y forma en armonía para esquivar las críticas al esteticismo, con el que a menudo se desacreditan estas conmovedoras prácticas artísticas.


En las imágenes: "Fake Fruit Factory" de Chick Strand, "Aleph" de Wallace Berman y "Film No. 3: Interwoven" de Harry Smith.

Piedra, papel y tijera. El collage en el documental.

Edición a cargo de
Laura Gómez Vaquero y Sonia García López


ÍNDICE

-Presentación. Antonio Delgado Liz

-Introducción. Laura Gómez Vaquero y Sonia García López

-Notas sobre collage y cine. Antonio Weinrichter

-¡Rayógrafos y centellas! Usos del collage en los primeros documentales de vanguardia. Sonia García López

-Guernica, de Alain Resnais, el collage y la memoria: un arte de la revelación. Nancy Berthier

-De la certeza a la incertidumbre: collage, documental y discurso político de América Latina. María Luisa Ortega

-Contactos y con-textos: relaciones entre imagen, collage y escritura. Laura Gómez Vaquero

-De la compilación al collage: las películas de apropiación de Arthur Lipsett. William C. Wees

-Una estética del collage: documental, ensayo y vanguardia en la obra de Sergei Paradjanov. Alberto Elena

-Fragmentos y alegorías de la tragedia alemana. Montaje y collage en las imágenes de Alexander Kluge. Àngel Quintana

-El archivo alternativo en las películas amateur: el collage y la huella en "Az Örvény". Malin Wahlberg

-Ensayos-collage en la era del culture jamming. El cine de Craig Baldwin. Albert Alcoz

-El documental melodramático de María Cañas. Ética y estética del collage. Josep Mª Català


Presentación del libro en los Cines Princesa
Jueves 7de mayo a las 20:30h
Documenta Madrid 09