Wolf Vostell - Sun In Your Head

Con Sun In Your Head (1963) el videoartista Wolf Vostell realiza un décollage televisivo donde las señales electrónicas de noticiarios quedan transformados en perpetuas abstracciones. Ante el insufrible calor de estos días el título de la pieza resulta más que adecuado. Es sencillo quedarse atónito como el personaje de la imagen. El domingo pasado estuve en Malpartida (Cáceres) pero después de unas cuantas vueltas en coche siguiendo las indicaciones fui incapaz de hallar el Museo Vostell Malpartida. Una pena porque el entorno de Parque Natural con deje a cartón piedra, las esculturas de automóviles, los aparatos televisivos diseccionados y la colección Fluxus prometían una visita cultural sugerente, marcada por un conceptualismo objetualmente kitsch.

Surveying the First Decade: Video Art and Alternative Media in the U.S.

Video Data Bank: Video Art and Video Artists

"Video Data Bank is pleased to announce the publication of the DVD box set edition of Surveying the First Decade: Video Art and Alternative Media in the U.S. Since its original release in 1995, this comprehensive two-volume, eight program package on the history of experimental and independent video has only been available on VHS tape. The DVD launch will bring this essential tool for the understanding of the development of media arts to a whole new generation of teachers, libraries, students and researchers.

The entire anthology (Volumes 1 & 2) includes more than 16 hours of historic video: 68 seminal titles by 60+ artists curated into eight programs ranging from conceptual, performance-based, feminist, and image-processed works, to documentary and grassroots community-based genres. The box set is accompanied by REWIND, a 200+ page study guide with curator’s essay, program and tape descriptions, extended bibliography, biographies and videographies of artists and a guide to collections of early video materials."

“Música Sí”. Los documentales musicales de Kikol Grau

Publicado en BLOGSANDOCS

“El incentivo no es que suene la flauta, es que suenen los instrumentos”
Pau Rodríguez del grupo Za!

Madrid, Barcelona, el País Vasco y Andalucía son las cuatro regiones escogidas por el realizador catalán Kikol Grau para hallar la existencia de escenas musicales de carácter alternativo, independiente o underground. Corrientes situadas al margen de las multinacionales que, alejadas del afán económico de la industria, reivindican la creación musical específicamente por placer. Son músicas que, determinadas por el contexto climático, político, económico y geográfico que les rodea, proclaman un carácter singular.

Los cuatro trabajos de 25 minutos, realizados para su emisión en el programa Metrópolis de La 2, quedan hilvanados como reportajes audiovisuales de investigación periodística que, por sus capacidades discursivas y sus cualidades estéticas, pueden definirse como documentales musicales. El tono que emplean se equipara artísticamente a las músicas que representan. El punto de partida es establecer un mapa delimitado que plantea recorridos sinérgicos por algunos de los grupos y los sellos independientes más representativos de cada ciudad. Bilbao, Vitoria, Guipúzcoa, Pamplona, Sevilla, Cádiz y Granada son los principales núcleos alrededor de los cuales giran los trabajos dedicados al País Vasco y Andalucía. Los centrados en las dos ciudades principales de la península, Barcelona y Madrid, resultan ser los más unitarios e ingeniosos, no sólo por una mayor acotación en el radio de acción, sino también por un mayor conocimiento previo de las tendencias musicales ahí presentes. Resulta sencillo entrever las diferencias de planteamiento que demuestran los documentales entre sí, ya sea en función del grado de complicidad entre los músicos y Kikol Grau, o del interés de este último por los grupos que entrevista. Así Madrid La Nueva Olla (2006) y Barcelona es diferente? (2007) se erigen como los trabajos más acertados, frescos e imaginativos de un autor que se identifica con la actitud punk de los intérpretes. Euskal Herria Los demenciales chicos acelerados (2007) queda excesivamente anclado en la herencia del Rock Radikal Vasco y Andalucía (Music) Ración (2008) deriva hacia terrenos de mestizaje hip-hop, que no acaban de representar la calidad musical andaluza del presente. Aún así, el carácter ecléctico, sincero y desenfadado de todos ellos da lugar a cuatro propuestas singulares que representan sin prejuicios una actualidad inmediata, siempre al ritmo de un trabajo de post-producción privilegiado. Cada uno queda editado como un collage dinámico e imparable, que combina fragmentos de videoclips, actuaciones en directo, muestras de arte gráfico (carátulas, pósters, logotipos, etc.), conjuntos de entrevistas a músicos y promotores que evalúan el estado de la cuestión (facilidades tecnológicas, salas de conciertos, discográficas, festivales, relaciones entre grupos, dificultades económicas, etc). En muchos de ellos subyace la voluntad de crear música como goce, por gusto, “por amor al arte”. Y de ahí el porqué de esa frase inicial -lúcida e irónica a partes iguales- de Pau Rodríguez. Explica el sentir de un músico ante su afición principal: la primacía de la satisfacción artística por encima de la económica, la inquietud por hacer sonar los instrumentos, sin necesidad de estar pendiente de su repercusión monetaria. Espíritu do it yourself que demuestra un (des)interés por controlar los sistemas de distribución, tal y como proponía George Maciunas a los artistas Fluxus. Atender el sistema de distribución y el de comercialización para abarcar el ciclo y no quedar encerrados en el plano productivo.

Madrid La Nueva Olla o la Re-Movida

Las etiquetas abrevian pero no llevan muy lejos. Acotan terrenos que a menudo sus mismos protagonistas rechazan. Resultan útiles para concretar. Kikol Grau escoge una que remite a La Polla Records. Pero perfectamente podría haber utilizado una popularizada por Jesús Ordovás, en su ya funesto Diario Pop de Radio 3. Un título como la Re-Movida indica una conciencia por la herencia artística de la Movida Madrileña, diseminada musicalmente por bandas insignia como Derribos Arias, Aviador Dro, Radio Futura o Almodóvar y MacNamara. Porque al fin y al cabo Humbert Humbert y Grabba Grabba Tape! parten de unos estilos como los del art-punk, el electro-pop y el techno-pop canalla ya iniciados durante los años ochenta en la capital. La amplia cobertura que se da a estas dos bandas, el carácter difuso en el que a menudo quedan relegados los demás (principalmente bandas pertenecientes al equipo (WA)TT, el sello Gssh Gssh! y Alehop!) demuestran cierta deriva en la representación de nombres como Ginferno, Moustache, Las Solex, Soul Bisontes o Campamento ñec ñec. De todos ellos cabe remarcar la escasa presencia de los ineludibles Garzón (actualmente Grande-Marlaska) y ausencias como las de Corazón. El recopilatorio Madrid Terminal parece marcar el itinerario a seguir. Todo ello no evita una puesta en imágenes certera, que documenta la actitud de unos músicos y unos intermediarios que, por lo general, viven con emoción aquello que desarrollan. Convicción, sin rastro de vacilación.

Barcelona es diferente? o el Avant-rock mediterráneo

He aquí el documento canónico de la serie. El que debería marcar la pauta a seguir. Su realizador conoce a la perfección las bandas representadas, de modo que las entrevistas alcanzan un grado de sinceridad y espontaneidad altamente gratificante. El uso estructurado del montaje dota de verosimilitud la ronda de intervenciones. Se da voz en igualdad de condiciones a los diez grupos escogidos. Za!, Les Aus, Anticonceptivas, Tarántula, Tu Madre, Feria, Sibyl Vane, Le Pianc, Humo y Silvia Coral y Los Arrecifes reflexionan en voz alta sobre sus inquietudes musicales y los problemas que se encuentran cuando tratan de llevarlas a cabo. La desaparición de salas de conciertos, los precios de los alquileres de los locales de ensayo, la importancia de Internet como canal de promoción, la posibilidad de vivir de la música y la actitud ante ello son los temas que reaparecen a lo largo del documental. La frescura que transmiten los entrevistados, el tono activista y vitalista (las “verdades como puños” que consiguen dilucidar) impulsan estos 25 minutos hacia un frenesí de estímulos auditivos que Kikol Grau combina con sutiles juegos visuales. Divide el encuadre de las entrevistas en dos planos simultáneos que, activando el audio de las contestaciones, amaga el sonido de los instrumentos, y viceversa. Discográficas como Producciones Doradas, Austrohúngaro o B-Core, y propuestas originales como la de Doropaedia, son los núcleos de acción de una escena cuya existencia queda perfectamente conjeturada. Poco importa que se ignoren grupos como Astrud, Mishima, Manos de Topo o 12twelve. Estamos ante un trabajo de inagotable visionado que descubre el avant-rock energético y esquizofrénico de Za! y Les Aus, el art-rock de serie B de Tarántula, el post-punk deliciosamente amateur de Tu Madre, el más marciano todavía de Silvia Coral y Los Arrecifes, el techno-pop petardo de Feria, el punk riot girrrl sensible de Sibyl Vane, el folk comprometido de Humo y el pop tiernamente afrancesado de Le Pianc. Contagia (y de qué manera!) las ganas de salir a la calle y montar un grupo. O las de quedarse en casa, enchufar los amplificadores y traer la calle a la habitación (caso del primer concierto de Tu Madre). Si se cierran las salas, que se abran las casas.

Euskal Herria “Los demenciales chicos acelerados” o el Hardcore politizado

Con un título que homenajea el disco de Eskorbuto del año 1987, Kikol Grau se enfrenta a la ardua tarea de conjuntar en un mismo documental televisivo el folk de Anari, el hardcore instrumental de Lisabö, el techno-pop de Chico y Chica y la herencia del Rock Radikal Vasco, más o menos presente en nombres como Xavier Erkizia, Inoren Ero Ni, Berri Txarrak, Leihotikan o Lendakaris Muertos. Las discográficas Bidehuts y Gor Discos, así como el festival de música experimental ERTZ, son otros de los puntos clave de una documentación algo imprecisa, excesivamente encajonada en su marcado acento ideológico. El recurso audiovisual de apropiarse de imágenes de los telediarios, tergiversando el mensaje, acoplando ruidos (tanto sonoros como visuales) que enmascaran los presentadores dota de significado los intervalos, admitiendo que el conflicto vasco se respira en muchas bandas, por activa o por pasiva. El pop escapista de Single, Ibon Errazkin y el post-punk bailable de Delorean no tienen lugar.

Andalucía (Music) Ración o el Hip-hop metalizado

Poco aporta el cuarto documental de la serie, más allá del hecho de constatar que estamos ante una de las zonas geográficas donde el rap cantado en castellano se ha consolidado con más fuerza. La estructura metódica, fluida y equitativa del capítulo barcelonés queda aquí muy lejos. Hora Zulú, Eskorzo, Los Vecinos del Callejón, Mineros Locos, Demiurgo, Falso Dogma y Narco acaparan el protagonismo para reducir el cúmulo de posibles influencias musicales (principalmente el flamenco) a las guitarras metaleras y los rapeados incisivos a la Rage Against The Machine. Si la Trisexual Band son la nota glam exhibicionsita, Los Rumbers son el eclecticismo breakbeat que completa un panorama oscuro, discordante y poco convincente. Al final da la sensación que sellos como El Ejército Rojo y grupos como Grupos de Expertos Sol y Nieve o Lori Meyers han sido injustamente dejados de lado. La marca de ropa Mogra Empire, Hiphop Sevilla y el sello Miga (electrónica, net-art, video-arte y música experimental) cierran un reportaje que deambula por terrenos pantanosos. La perspectiva de algunos de los cantantes entrevistados roza lo pretencioso. El espíritu lo-fi y la actitud DIY de regusto arty desaparece para dar paso a otros aires, definitivamente mucho más arrogantes.

El último trabajo de la serie no empaña el interés por la continuación de este work in progress. La efectividad de su planteamiento promete nuevas dosis de energía, inteligencia, desenfreno y diversión. El capítulo dedicado a la comunidad de Galicia está al caer. Habrá que estar atentos porque Asturias, Zaragoza y las Islas Baleares, podrían ser las siguientes.

Película Sudorosa

Stanley Sunday AKA Davidson AKA David Domingo

PRIMEROS FOTOGRAMAS

Rescates Domésticos. Compilaciones de Cine Experimental en DVD.

Sección Fugas de Blogs&Docs

Las tecnologías digitales de la imagen han hecho cambiar sustancialmente la recepción individual del cine experimental. El vídeo doméstico ya trajo en su momento el cine de vanguardia a casa. Sellos como el paradigmático Re-Voir ayudaron a consolidar el consumo particular en VHS. Hoy en día, gracias a la digitalización, el panorama es distinto. La facilidad por descargar y visionar material por internet hace que la selección de piezas audiovisuales a publicar en DVD deba ser más que rigurosa. Muchos son los cineastas (clásicos) del experimental que han visto publicadas sus películas en vídeo digital, por parte de sellos especializados. La vanguardia cinematográfica se ha recuperado mediante ediciones esplendorosas como las del Unseen Cinema (a cargo del Anthology Film Archives), los dos volúmenes titulados Avant-Garde, Experimental Cinema (con filmes pertenecientes a la Raymond Rohauer Collection) y propuestas como la recopilación de cine Dadá publicado por Re-Voir. Por lo que respecta a autores: Criterion Collection realizó una cuidadosa selección del lirismo personal-universal de Stan Brakhage, Fantoma completó las películas místico-satánicas de Kenneth Anger en dos ediciones dobles, Tzadik enlató obras recientes del abanderado pre-cinematográfico Ken Jacobs y así un largo etcétera. Packs voluminosos como los de Werner Nekes, Su Friedrich, Norman McLaren, George Kuchar y Stephen Dwoskin han ayudado a descubrir la magnitud de un cine radical, sugerente hasta el infinito. Estas experiencias han devenido, finalmente, cercanas. La inaccesibilidad ya no sirve como excusa para desentenderse de unos mundos personales, que dejan en ridículo nociones como la de “cine de autor”. La mayoría de estos nombres son el ABC de un cine experimental que resplandeció durante los años sesenta y setenta. Pero, ¿qué es lo que ocurre cuando se trata de delimitar este cine mediante compilaciones de piezas de diferentes autores, bajo parámetros temático o estéticos concretos? ¿De qué modo se equilibra la inclusión de títulos clásicos de hace más de treinta años con otros más recientes? ¿Qué distancia o acercamiento se promueve entre el cine experimental actual y el vídeo-arte? Algunas de las respuestas estan en manos de sellos independientes como Lowave y Other Cinema Digital.

Other Cinema Digital

El cine underground y alternativo en DVD tiene una sede privilegiada en la ciudad de San Francisco. “OCD ofrece una experiencia audiovisual decididamente diferente – ingeniosa, cómica, crítica… peligrosa”, como indica su página web. Detrás de un nombre desmarcado por completo del cine comercial se encuentra el cineasta Craig Baldwin. Este ferviente seguidor del reciclaje de material de archivo tiene en su haber películas pseudocientíficas de argumentos iluminados (“Tribulations 99” y “Spectres of The Spectrum”) e investigaciones musicales sobre la apropiación y los derechos de autor (“Sonic Outlaws”). Durante veinte años Other Cinema ha programado semanalmente sesiones de películas en la A.T.A. Gallery de San Francisco, con la voluntad por dar visibilidad unas obras bajo el ámbito de los Microcinemas. El proyecto de distribución de este otro cine se inicia en 2003 con la publicación de una colección de DVDs. “Celebramos visiones peculiares y sensibilidades al margen, dibujadas desde el underground contemporáneo y de los archivos”.

La revisión macabra, espantosa, ensangrentada, marciana, poética y sugestiva del cine experimental de terror viene recopilada en dos volúmenes titulados Experiments in Terror (Abstract & Experimental Horror) y Experiments in Terror 2. Homogeneizar propuestas dispares, bajo líneas visuales o temáticas parecidas trae una inevitable comparación que también provoca un continuo diálogo, rico en matices. Así encontramos ficciones cafres cercanas al gore (Dawn of An Evil Millennium de Damon Packard), poéticas matéricas apropiadas, con diseños visuales y sonoros atmosféricos (Tuning The Sleeping Machine de David Sherman o The Mesmerist de Bill Morrison, con música de Bill Frisell), cine de horror descontextualizado, hecho de pesadillas psicodélicas, densamente manipuladas (Outer Space de Peter Tscherkassky) y demás películas breves de angustiosa intensidad (The Virgin Sacrifice de J.X. Williams). Noel Lawrance se ha encarga de seleccionar este conjunto de títulos con la asistencia de Craig Baldwin.

También son ellos dos quienes han seleccionado los títulos de Xperimental Eros. El cine erótico de raigambre abstracto trae visiones sensuales y placenteras que no desdeñan el documento carnal y la ficción sexual. Los cromatismos explícitos de la clásica The Color of Love, de la cineasta y performer Peggy Ahwesh, conversan física y matéricamente con Blue Movie de Mark Street y los cuerpos eliminados de Removed de Naomi Uman, una animación hecha a mano, sobre un found footage pornográfico, de naturaleza cómica. La recuperación del filme documental Sneakin’ and Peekin’ de Tom Palazzolo (cine amateur sesentero de naturaleza voyeur, con modelos desnudas al aire libre) y Downs are Feminine de Lewis Klahr (recortables de figuras de tendencia pop, animadas toscamente con movimientos de pelvis algo ridículos, al son de Mercury Rev) completan una selección bizarra que finaliza con una ficción esteticista de (otro) Óscar Pérez.

Anxious Animation recopila el trabajo de animación de autores que practican técnicas como la pixilación, el stop motion, los recortables, pero también el digital. La intención: hallar historias de inventiva fantasiosa bajo parámetros de experimentación estética. La iconografía doméstica del american way of life reaparece de la mano de Lewis Klahr, las narraciones con muñecas y objetos surreales son propiedad de Janie Geiser y las animaciones sin cámara que fabulan sobre la cotidianidad de las bestias forman parte del discurso de Jim Trainor. El ritmo sincopado que provoca el visionado de este DVD es un elemento inherente a las compilaciones de la distribuidora. A menudo son tan desiguales las calidades y las formas de las piezas, que al final el encanto reside en los desniveles de su conjunción. En sus entresijos. Poder encontrarse con rarezas de tal magnitud, entre nombres más o menos reconocidos del cine experimental actual (Morrison, Tscherkassky, Klahr, Uman, etc.), es uno de los grandes motivos por los que adentrarse en el universo cinéfilo-esquizoide de Other Cinema.

Lowave

Este sello independiente, fundado en 2002 para dar salida al cine experimental y el vídeo-arte, tiene su sede en la ciudad de París. Publicar DVDs es una más de las facetas en las que están inmersos. Contribuyen a las programaciones audiovisuales de centros artísticos mediante un servicio de distribución. Participan en festivales como el International Short Film Festival de Oberhausenen, Aurora en Noruega y el Different Cinema de la misma ciudad de París. Esta amplitud de miras coincide directamente con la de Other Cinema y su Microcinema, pero de un modo más expansivo y condescendiente con otras plataformas afines. Craig Baldwin y compañía viven encerrados en su mundo, a la defensa de la visión crítica del archivo bizarro. El carácter, a menudo ensimismado, de los de San Francisco contrasta con la gente de Lowave, plenamente interesada en editar vídeos y películas bajo etiquetas como: experimental, vídeo-art, arte contemporáneo, documental, animación/diseño, música/sonidos visuales, arquitectura, etc. El carácter internacional queda ejemplificado en las nacionalidades de los autores que han incluido en sus ediciones: Marruecos, China, Estados Unidos, Francia, Italia, Francia, Irak, etc.

Entre las series de compilaciones que han llevado a cabo destacan los volúmenes dobles titulados Different Cinema (co-editados con el Centro George Pompidou para presentar algunas de las piezas más representativas de Different Fim Festival) y Resistance(s), (dedicado al vídeo-arte y el cine experimental de raíces árabes). Different Cinema Vol. 1 incluye un trabajo del letrista francés Maurice Lemaître y otro del pionero japonés Takahiko Iimura. Entre ellos otros ocho nombres más o menos desconocidos (Rozenn Nobilet, Egbert Mittelstädt, Stéphane Marti, Hugo Verlinde, etc.) que juegan con los materiales en busca de emociones sensoriales. Texturas sonoras ruidosas, imágenes veloces de pocos fotogramas, danzas corporales, esbozos con archivo y diarios personales intuidos son algunas de las variantes. Las formas abstractas de cromática plasticidad se utilizan en Different Cinema Vol. 2 para plantear cuestiones de identidad sin palabras, por parte de artistas como Frederique Devaux, Shiho Kano o Maurice Santini.

La disparidad de búsquedas y resultados de estos dos recopilatorios es completamente opuesta a la impresión de conjunto que da un DVD como Blacklight. Aquí los autores Carole Arcega, Sebastien Cros, Mikaël Rabetrano
y Frédéric D. Oberland parecen haberse puesto de acuerdo para desarrollar unas piezas cinematográficas extremadamente abstractas de cadencias lumínicas y texturas ensombrecidas, en riguroso blanco y negro. El carácter unitario se eleva como el elemento primordial en la selección de estos trabajos. Homogeneidad de intensidad atmosférica. Sonidos encontrados y ambientes cargados acaban de englobar estas cinco piezas, bajo un título más que acertado.

Con este tipo de ediciones las fronteras entre el vídeo-arte y el cine experimental quedan afortunadamente diluidas. Los intentos por delimitar cada uno de los dos terrenos resultan inocuos en la medida en que una presentación en formato DVD rompe las nociones de contexto espacial (sala cinematográfica, espacio museístico, galería de arte) que siempre ha acabado determinando la inclusión de una etiqueta u otra. Colocar una pieza de finales de los sesenta de Peggy Awesh al lado de otra creada durante el nuevo milenio ayuda a explicar la historia del cine de vanguardia y a buscar relaciones y puntos de conexión con los nuevos cineastas. Celebremos pues, este tipo de trabajos de comisariado editorial, y demos la bienvenida a otras nuevas propuestas que acerquen piezas audiovisuales de indudable valor artístico, a un público cada día más receptivo.
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Agradecemos la colaboración de Marcos Ortega en la elaboración de este artículo.

KINETIC LANSDSCAPES

AMALGAMA
sesiones de cine experimental y videoarte

Viernes 11 de julio a las 21h.
Atelier Sala d'Art

- La Playa, de David Domingo (2001) 1'
- Vivid Obedientes, Vivid, de Hugo Cornelles (2005) 2'
- Pentland’s, de Patrick Danse (2007) 3'
- Wien – Tagebuch (Diari de Viena), de Cristina Giribets (2007) 3'
- Todo tiene su fin, de Armand Rovira (2005) 2'
- Fragmentos, primera impresión en S8, de Oriol Sánchez (1999) 14'
- Texas Sunrise, Lluis Escartín (2002) 20'
- Siete vigías y una torre, Manuel Asín (2004) 30'

Bruce Conner (1933–2008)

From Artforum 7/7/2008

Bruce Conner, a San Francisco–based artist known for his assemblages, films, drawings, and interdisciplinary works, passed away Monday afternoon. Conner moved to San Francisco in 1957 and quickly found his place within the city’s vibrant Beat community. His gauzy assemblages of scraps salvaged from abandoned buildings, nylon stockings, doll parts, and other found materials gained him art-world attention, as did A Movie (1958), an avant-garde film that juxtaposed footage from B movies, newsreels, soft-core pornography, and other fragments, all set to a musical score. (In 1991, A Movie was selected for preservation by the United States National Film Registry at the Library of Congress.) Conner was active in the Bay Area’s 1960s counterculture scene, designing light shows for Family Dog performances at the Avalon Ballroom, and in the ’70s focused on drawing and photography. Art-world recognition resumed in the ’80s and continued to the present: Conner was included in the 1997 Whitney Biennial, was the subject of a touring survey in 1999–2000, and is featured in the current Carnegie International. At Conner’s request, there will be no funeral.


(Frames de "Report" y "A Movie")

Summer Upside-Down

by Cohetes Naranjas

Ken Jacobs - Surging Sea of Humanity

“Stereograph of the crowd at the opening of the U.S. Centennial Exposition of 1893. It turns into a movie. Turns into an enormous rugged and craggy 3-D landscape before people return and the scene is righted again. Some laws surely have been broken here.”—K.J.

Ken Jacobs es uno de los cineastas clásicos del cine experimental norteamericano de la década de los años sesenta que mejor ha sabido utilizar las técnicas digitales actuales. El cambio tecnológico no ha impedido la puesta en práctica de una búsqueda de las capacidades perceptivas del ojo humano, mediante la apropiación y el reciclaje de imágenes de hace más de un siglo. Este diálogo incesante con su interés por los inicios del cine continúa presente en Rough Ride (2006-07) -recientemente proyectada en el Anthology Film Archive-; de un modo semejante al que caracterizó la célebre Tom, Tom The Piper's Son (1969).
La discográfica Tzadik ha editado en DVD dos de sus películas más recientes: Celestial Subway Lines/Salvaging Noise y New York Ghetto Fishmarket 1903. El primer largometraje cuenta con la música de John Zorn y el lap-top de Ikue Mori, el segundo, del 2007, con el cello de Tom Cora, las voces y aparatos electrónicos de Catherine Jauniaux. La digitalización del fragmento fílmico del New York Ghetto Fishmarket da lugar a un trabajo de reinvención que hace hincapié en la forma y su abstracción, a partir de la repetición y el reencuadre. Esas soluciones acumulativas, no suceden en Surging Sea of Humanity -pieza de diez minutos editada como extra del mismo DVD-. Aquí el método elude el "todo vale" para hallar un sentido unitario. Ken Jacobs se acerca a la impresión tridimensional con la resignificación de una imagen estereoscópica que rompe las leyes de la perspectiva y focaliza otras vías de percepción, algunas de ellas inexploradas.